EL ORGANISMO SE PONE A BAILAR DANZA ARABE.

Bailar es una conducta espontanea en la que están implicados los siguientes sistemas:-Locomotor: Huesos, músculos, articulaciones, tendones.-Nervioso: Cerebro, nervios.-Respiratorio: Pulmones, faringe, tráquea, diagrama.-Circulatorio: Corazón, arterias, venas.-Digestivo: Alimentación, digestión.-Endocrino: Desarrollo corporal, desarrollo sexual. (c)

ELEGANCIA…EN LAS DANZAS ARABES.

La palabra elegante (Del lat. elĕgans, -antis) significa estar dotado de gracia, nobleza y sencillez, con un buen gusto y distinción para vestir.
Y según el blog cosas de moda, ser y estar elegante es una actitud personal, que hay que tener en todas las situaciones y actos sociales, dejando claro que estar elegante y radiante, es sólo cuestión de actitud y de seguridad y eso depende de cada una.
Se sitúa como un ejemplo a la danza Bollywood de la India donde las actrices buscan la elegancia y la combinación perfecta de los colores.
Es muy importante estar elegante en las danzas árabes clásicas y el bellydance, por que es una de los componentes importantes que una bailarina profesional debe tener.
Retornando al bellydance las bailarinas deben saber algunos tips para ser elegantes.
Ropa.
* No se debe lucir ropas complicadas, ajustadas y que difícilmente quedan bien en el cuerpo. Tiene que sentirse cómoda con la ropa, que le brinde facilidad y gracia para moverse. Es decir calcular bien las proporciones.
*Si una bailarina es gordita o rellenita no debe utilizar un traje que le ajuste demasiado y le marque el cuerpo, sino un traje que le forme el cuerpo a su medida y le haga sentir cómoda. Suelen aconsejarse los colores oscuros o combinar con ellos.
* Buscar la armonía y la mezcla perfecta de los colores.
*Los colores negro y blanco se pueden mezclar con otros colores. Así mismo, ambos se pueden combinar en la creación de la ropa.
*El color negro puede llevar adornos, lentejuelas y mostacillas doradas o plateadas.
*El color blanco puede llevar adornos, lentejuelas y mostacillas doradas o plateadas.
*El traje que lleve la bailarina debe estar limpio, cuidándose los detalles de que no este roto, ni costurado con otro color de hilo que no sea el mismo del traje.
*Si la bailarina no tiene las piernas bonitas o las tiene muy delgadas, es aconsejable por todo experto en moda, que utilice una falda larga sin aberturas que las muestren.
*No abusar de los colores en un mismo estilo de vestir, es decir por ejemplo: Una bailarina tiene un traje de color verde claro y también tiene otro traje verde pero oscuro y se presenta en el mismo evento, en diferentes presentaciones con ambos. Así parecería que viste el mismo, lo cual se notaria mas si son del mismo modelo.
*Es importante el uso de diferentes colores y modelos de trajes, en una presentación puede usar un blanco y en el siguiente un azul.
*Una bailarina que pasa clases con un traje ( ya sea el sostén, el choli, la falda, o los bombachos) no puede hacer una presentación con el mismo traje usado diariamente, debe tener otro traje que le sirva para presentarse.
*Si bien en el Bellydance el top y la falda tienen flecos, ya sean de canutillos, mostacillas, mostacillones, perlas o de otro material, no se debe exceder con ellos en el vestuario, en especial si es un vestido por que le quitaría forma y gracia al cuerpo de la bailarina. Los flecos deben estar proporcionados en el top y en la falda sin exagerar.
*El sostén debe cubrir el busto, combinar con la falda o bombacho, preferiblemente del mismo color en el bellydance y no ser un simple adorno que apenas cubre.
*Si la bailarina incluye adornos de metal en su traje debe equilibrarlo, tanto en la parte del top como en la falda, para que no parezca que usa una armadura.
*Se recomienda que una bailarina no utilice colores muy fuertes o chillones, que no lleguen a dar con el color de su piel, por ejemplo un verde muy fluorescente podría hacer que la bailarina tiene la piel muy bronceada, este color no le favorece.
*Escoger colores que favorezcan el color de la piel de cada una, es decir buscar un color que le haga lucir mejor la piel.
*Saber escoger los colores puros es importante, por que se pueden topar con un negro desgastado o un blanco amarillento que haga lucir el traje envejecido y opacado.
*El estampado del género debe llevar flores diminutas en un fondo oscuro. Por ejemplo si las flores son plateadas el fondo es de un color guindo. Si las flores son grandes no deben ser muy llamativas y opacar el color de fondo.
Se puede bordar encima de las flores para darle un toque mas sofisticado.
*La tela a rayas debe ir en línea vertical en el momento de la confección en relación al torso, cintura y la falda, las mangas pueden ser optativas .
Se ve bien las rayas claras y el fondo oscuro.
*Si la túnica o el traje baladí es completamente oscuro, para realzar las caderas se puede anudar o colocar un pañuelo con flecos o un caderin claro.
El empleo de flores en la ropa:
*En el traje una o dos las cuales tiene que ser discretas, no grandes, ni voluminosas, pueden ser de lentejuelas o bordadas, en medio de la faja como un arabesco o pequeñas distribuidas en el borde de la parte superior del top, para tener un efecto sutil y diferente. Pero colocar flores artificiales o prender reales en al ropa no es aconsejable.
Acerca de las flores reales.
*En el estilo tribal o también en el bellydance según el estilo, si la bailarina quiere utilizar flores se aconseja que estén una o dos flores en la cabeza, que no sean muy grandes y que combinen con la ropa, de esta manera la cabeza no parecerá una maceta.
*Cuidado, si ya hay una flor en la cabeza no es necesario colocarse más flores en la ropa.
Plumas en el vestuario.
*Las plumas en el estilo tribal colocadas en la ropa se ven bien cuando: son matizadas, son del mismo color de las faldas o se combinan con ellas. La pluma de pavo real le suele dar un toque sofisticado.
Joyería.
*En el estilo tribal americano el toque de los pendientes, collares y brazales de plata envejecida le da elegancia, tradición y un sentido tribal al vestuario. Si los collares contienen piedras o perlas, deben combinar con los colores de la ropa.
*En el bellydance se usa el color dorado y el plateado. Si el traje tiene mostacillas y lentejuelas doradas, las pulseras, los pendientes y el collar deben ser doradas y si trae los adornos plateados la joyería debe ser también plateada.
*Si existe una combinación de dorado y plateado, el color de la joyería seria del color que predomine más.
*El traje debe combinar con la joyería y viceversa.
*A veces el traje es un matiz de varios colores a parte del dorado y plateado, en estos casos la joyería tendría los mismos colores del traje. Si a la bailarina le es difícil encontrar el collar, las pulseras o el tocado de los mismos colores o parecidos, podría utilizar la mostacilla, las perlas y los canutillos que utilizo en el vestuario.
*Los pendientes deben combinar con uno de los colores predominantes del traje.
Bucios o caracoles marinos.
*Se pueden utilizar en el Bellydance en la confección de la faja, en el centro como un arabesco y en el borde del mismo.
*En la danza tribal distribuido equitativamente en la cabeza como tocado, en el cabello, en el cuello y en parte de la ropa. Si en las cabeza ya hay un tocado de metal no es necesario colocarse muchos bucios, distribuyendo unos cuantos en los mechones del cabello.
*Habiendo flores en la cabezas se colocan menos caracoles.
*Si todo el traje tiene joyería y adornos de plata y se desea colocar caracoles se pueden distribuir en el sostén o en el choli.
Espejos.
*Circulares o cuadrados deben ser pequeños .Es recomendable usar pocos.
Redes de Nylon.
*En el bellydance poca red, solo en el vientre es recomendable este material.
*En la danza tribal preferible de color negro, en los brazos, hasta parte de la mano sin cubrir lo dedos. Puede estar dentro del choli o sostén, pero no encima.
Lanas.
*En el tribal como mechones en el cabello y alrededor de la falda, combinando son el color de la ropa.
*No es recomendable en el bellydance.
Pompones y borlas.
*Se ven mejor en la falda, matizando con los colores.
Resaltan la cadera y el movimiento.
*Los pompones no se ven bien en el bellydance. Solo las borlas.
El cabello y los Tocados .
En las danzas árabes clásicas, el bellydance, y el estilo tribal.
*El adorno que lleva sobre la cabeza tiene que colocarse encima del cabello lavado un día antes y cepillado para la presentación.
*Cuando se coloca el adorno sobre la cabeza es recomendable que el cabello este completamente suelto para dar más gracia a la cabeza.
*En otro caso si el cabello es tupido, voluminoso y a la bailarina le incomoda se puede prender una horquilla invisible o mejor un gel que no le quite la docilidad a su cabello.
*No colocarse horquillas o prendedores que se vean debajo del tocado.
*No usar ligas voluminosas en el cabello, para la presentación.
*Otros ven más elegancia en hacer delgadas trenzas distribuidas por todo el cabello dándole a la bailarina un toque egipcio.
*El moño es de alta costura que puede ser combinado con un tocado y una flor en el estilo tribal americano y el tribal fusión.
*Las plumas en el cabello suelen ser utilizadas en el estilo tribal fusión. Son recomendables del mismo color del cabello, de la ropa, o de colores que se combinen con la ropa. Por ejemplo si el traje es negro y marfil, las plumas pueden ser grises o blancas.
*El turbante en las danzas árabes tradicionales y en el estilo americano tribal combina con la ropa o es del mismo color de la ropa, puede ser de un color puro o tener arabescos.
Si el turbante va con un tocado se recomienda colores puros sin dibujos ni bordados.
El turbante hecho con dos géneros requiere que ambos se maticen como por ejemplo el color negro y el rojo.
El tocado puede ser de color dorado o plateado, siempre en relación a los adornos del traje.
*El velo sobre la cabeza del color de la falda o de un color que matice con todo el traje.
El velo llega a adquirir mas elegancia cuando esta bordado.
En los brazos.
*Las redes negras en estilo tribal.
* Puede ser hasta la muñeca o que llegue a prenderse en el dedo pulgar o mayor.
*Guantes del mismo material o color de la tela, preferiblemente hasta la muñeca.
*Los Mangas hilo deben ser de un punto que imite la red, del mismo color del traje, con algunas mostacillas, llegando a la muñeca y sosteniéndose en el dedo mayor.
Manos.
*Las uñas largas no se ven bien, es preferible cortas, ya sean pintadas con brillo o de un color que no sea fluorescente.
Pies.
*La higiene es importante, como el arreglo de las uñas. Se pueden pintar con brillo natural o de color.
Maquillaje.
Los ojos maquillados y delineados son los que deben resaltar, la bailarina no se debe pintar los labios con colores fuertes, por que solo puede resaltar los ojos o la boca y no ambos. Para ello se recomienda usar un color natural u oscuro para los labios.
“Un traje de danzas árabes es un arte que explica la identidad y la personalidad, dice algo de cada una.” ©
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LA SENSUALIDAD ……………

En la danza del vientre es indispensable que una bailarina verdadera sepa diferenciar la sensualidad y la vulgaridad, tanto para si misma como para el público. Hay bailarinas que son sensuales y otras que mezclan sus expresiones, su lenguaje corporal con lo erótico hasta llegar a la vulgaridad, lo que puede ser notado por el público.
Las bailarinas profesionales suelen ser sensuales, por que disfrutan, sienten, viven, se sumergen en su propia energía, en sus movimientos y en su alma en su femineidad; no son muy expresivas pero son expresivas, es decir hay un equilibrio en el momento de mostrarse a si mismas. Su ropa puede depender de sus gustos algunas se cubren mas otras se descubren con gracia y elegancia. Sus movimientos, estilos y técnica varían, sin embargo todas convergen a interpretar la danza con profesionalismo y orgullo femenino.
…..EN CUANTO AL EROTISMO
A pesar de estar ligada a la sensualidad, no es igual a ella, como tampoco es recomendado que una bailarina de vientre erotice su danza, por que lograría atraer, provocar, degradarse a si misma. Sin embargo existen bailarinas que lo son exhibiéndose como simples objetos para la diversión de los demás. La danza del vientre, danza árabe o bellydance , no es una danza que busque convertir a la mujer en objeto, pero esta es la imagen que se llevan cuando una bailarina erotiza su interpretación. Estas bailarinas ya no suelen ser vistas como profesionales de la danza árabe por que esta danza se relaciona con la sensualidad, no con el erotismo y si hay algunas bailarinas que les gusta erotizar su danza ese es su punto de vista, no el de la danza del vientre.

…Y….LA VULGARIDAD.
Cuando pasan de lo especial o técnico a lo común, llegan a la vulgaridad, lo que se hace obvio en su interpretación, sus movimientos, pasos y expresión corporal son exagerados, algunas veces provocativos, no hay un equilibrio ni delicadeza. Mayormente tienden a querer salir de lo común, para sobresalir entre las demás.
Algunas de estas bailarinas de danza del vientre alguna vez fueron sensuales, luego pasaron a ser eróticas y llegaron a ser vulgares.
DIFERENCIAS:
Una bailarina sensual:
“La gente vino a ver mi danza”
Interiormente se dice: Soy una mujer, una dama, soy una diosa que danza me respeto y respeto a los demás.
“Lo sexual esta presente en todos no es necesario ser explicita ni demostrativa.”
Permanece o trata de mantenerse en lo especial, técnico y profesional.
Para ella la danza es un arte.
La vestimenta es todo un arte y varia según el estilo de la bailarina puede ser de dos piezas y de una sola pieza.
Brilla entre los demás.
Una bailarina erótica.
“La gente vino a ver mi cuerpo”.
Interiormente: Soy una mujer deseada y una diosa deseada, no me importan los demás, mientras yo lo disfrute.
Erotiza la danza y al deja provista de esa significación.
Busca atraer la atención de los espectadores.
Movimientos provocativos.
Para ella la danza es muy sexual y erótica.
Es vista como un objeto deseado
La vestimenta deja poco a la imaginación de los demás.
Una bailarina vulgar.
“La gente vino a verme a mí”.
Para ella la danza es un medio para obtener recursos económicos y destacar en el entorno.
Movimientos provocativos y torpes.
Es vista como una mujer común o vulgar y no como una bailarina de danza árabe.
La vestimenta es muy extravagante hasta pretenciosa, la cual muestran con orgullo desmedido, sobresaliendo entre los demás de manera negativa
Pasa de lo que es especial y diferente a lo común y corriente.Es importante recordar:
*La sensualidad es relativa a las sensaciones, gustos, deleites de los sentidos. A lo largo del tiempo en el arte se ha hablado de diferentes sensualidades:
-La sensualidad espontanea y natural.
-La sensualidad mezclada con la inocencia, teniendo como ejemplo del séptimo arte a Marilyn Monroe.
-La sensualidad suave del pintor Petrus Cristus en “Retrato de una dama”.
-Sensualidad discreta.
-Sensualidad franca y libre.
-La sensualidad sutil.
-La sensualidad serena y noble o también la sensualidad serena.
-Sensualidad combinada con la alegría.
-Sensualidad mezclada con la sencillez en el poeta checo ganador de premio nobel Jaroslav Seifert.
-Sensualidad deliberada.
-La mezcla de la sensualidad con la tristeza.
-La mezcla de la sensualidad y la delicadeza en las pinturas de Jean-Antoine Watteau .
-La oscura y profunda sensualidad del poeta Juan Beroes.
-La sensualidad mística, femenina y misteriosa en la danza de la serpiente.
-La Frágil sensualidad en el arte japonés.
-Sensualidad exaltada.
-La sensualidad mágica y brillante en la danza de los velos.
-La exuberante sensualidad.
-La mezcla de la Sensualidad lúdica e ingenuidad.
-Sensualidad culta del poeta Andre Breton.
-Sensualidad reprimida en la obra la Celestina.
-La sensualidad sana de Juana de Ibarbourou .
-La mezcla de la Sensualidad y el encanto natural.
-Sensualidad con una sutil mezcla de refinamiento según el italiano Francesco Primaticcio .
-La sensualidad mezclada con la elegancia que se observa en algunas bailarinas profesionales de danza árabe.
-Sensualidad egoísta que solo tiene amor por si misma, por el filósofo francés Claude Adrien Helvetius (1715-1771).
-La sensualidad ardiente en los cuadros de San Juan de la Cruz.
-La sensualidad sonora en los poemas de Stefan George y en la danza con tambores y derbakes.
-La sensualidad mezclada con la nostalgia.
-La mezcla de la sensualidad y la vitalidad en los cuadros de Tiziano.
-Sensualidad agresiva y femenina para el diseñador francés Emanuel Ungaro .
*El erotismo esta ligado a la sensualidad.
*El erotismo guarda relación con la dimensión sexual.
*Entre lo erótico y lo vulgar solo existe un paso.
*Ser común, corriente, carecer de una especialidad particular que distingue, no tener novedad, importancia y fundamento. Esto es traducir el arte de la danza a lo vulgar o común.
La danza del vientre es una danza que puede ser practicada por hombres y mujeres, no es sexual, ni erótica, ni vulgar, depende de cómo la bailarina la interprete, así que debe haber una diferenciación de conceptos, para no crear ideas equivocadas en ellas mismas ni en los demás. La danza del vientre no es para degradar a la mujer sino para que ella brille con su femineidad, sensualidad, encanto, elegancia y luz propia.
“La verdadera sensualidad es como una dama que se cubre y baila pero no demuestra todo , ella cree que es ella misma, se siente que es natural, espontanea, delicada, fuerte, decidida, aunque este completamente cubierta e inmóvil, ella es sensual, por que a elaborado la sensualidad en su interior..”

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ARTE JAPONÉS.

Ukiyo-e, movimiento que dominó en el arte japonés, desde el siglo XVII hasta el XIX. El Ukiyo-e (en japonés, 'mundo flotante') un estilo llamado así porque representa las fantasías y las vidas cambiantes de la gente corriente, de los actores, cortesanas así como de otros habitantes del país, y que parodian los proverbios budistas sobre la inconstancia y la transitoriedad de la naturaleza de las cosas. Este estilo coincide con el próspero periodo Edo (1600-1868), cuando las editoriales adoptaron las técnicas de impresión desarrolladas en otros países que producían en masa imágenes a buen precio para los mercaderes urbanos y los gremios que florecieron bajo el auspicio de la dinastía Tokugawa. Los artistas crearon diseños para estos grabados, los cuales eran reproducidos en bloques de madera de cerezo y grabados por expertos artesanos. Se podían imprimir de cada bloque más de 10.000 copias. A pesar de que existían diferencias, todos pintaban de la misma manera, dentro de un mismo estilo. En cuanto a la decoración, creó ilustraciones de moda, calendarios, tarjetas de felicitación, libros ilustrados, guías de viaje y de entretenimiento, pornografía y material que promocionaba el teatro kabuki burdeles, salones de té y restaurantes frecuentados por los ciudadanos del periodo Edo.
Los precedentes de este tipo de diseño, datan de 1650, de libros ilustrados, especialmente asociados con las guías populares de entretenimiento, la shunga (estampas de primavera) y libros eróticos. Alrededor del año 1680 el pintor e ilustrador Hishikawa Moronobu fundó la escuela Ukiyo-e que revolucionó la técnica del grabado. Adaptó las técnicas de la pintura tradicional al grabado en madera; produjo más de 100 libros ilustrados y alrededor de 50 shunga, así como numerosas pinturas, periódicos y vistas de plazas famosas. El movimiento Ukiyo-e alcanzó la madurez artística, en la década de 1740, por medio del grabado en color, en el que dos o tres —y en la década de 1760, más de 20 o 30— planchas de madera separadas eran utilizadas como estampas individuales sutilmente grabadas en color. La nueva técnica permitía imprimir a varios colores. En el año 1765 los calendarios a todo color encargados por los ricos clubes de poesía y diseñados con motivos eróticos por Suzuki Harunobu causaron un inmenso escándalo: estos nishiki-e (brocados) inauguraron la edad de oro del Ukiyo-e y marcaron el triunfo de las estampas individuales impresas.
Los sucesores de Harunobu difundieron gran variedad de estampas Ukiyo-e y exploraron nuevas técnicas pictóricas como mica la utilización de fondos de brillante y papeles con textura, la prolongación de sus diseños a lo largo de dos o tres hojas de forma horizontal y el desarrollo de una nueva grandeza y monumentalidad en la composición. Las escenas de exterior y las majestuosas bellezas de Torii Kiyonaga crearon nuevas tipologías, pero el artista más importante, asociado con la edad de oro del Ukiyo-e es Utamaro, especialmente porque sus pinturas brillantes y sensibles de mujeres en todas las situaciones de la vida, incluyen sus ocupaciones y sus actividades de placer. A través de la célebre pero breve carrera de Toshusai Sharaku, quien trabajó pocos meses desde 1794 a 1795, se introdujo una nueva dimensión psicológica en el género del retrato. Después de este momento culminante alrededor de 1800, el Ukiyo-e cambió repentinamente y declinó, con diseños más vulgares y composiciones más toscas, en parte debido a que la cantidad de grabados se incrementara enormemente y se vendieron al público de manera menos selectiva. Los entendidos más exigentes estuvieron a favor del surimono (material impreso), diseños elegantes impresos en papel de alta calidad, utilizados para regalos u objetos de papelería que a menudo utilizaban estilos artísticos fuera de la escuela Ukiyo-e.
Como respuesta a la censura de las autoridades de Tokugawa, la escuela Ukiyo-e se inclinó más tarde por los paisajes. Katsushika Hokusai comenzó esta tendencia con su Fugaku sanjurokkei (Treinta y seis vistas del monte Fuji, 1823). También, él trabajó en otros estilos de pintura y de dibujo fuera de la tendencia, e introdujo las técnicas del paisaje y del azul prusiano en un principio desarrolladas en Occidente. En la década de 1850 las tradicionales escenas del Kabuki se volvieron más decadentes y grotescas, aunque este periodo todavía contaba con notables artistas como Utagawa Kuniyoshi. Algunos artistas del estilo Ukiyo-e continuaron trabajando durante el siglo XIX, aunque este tipo de arte desapareció en 1868 con la solemne restauración del poder del emperador, periodo conocido como Meiji.

AZIZA RAKS

Te acerca a los ritmos árabes, ofreciéndote a Egipto con sus instrumentos mas tradicionales, mostrando su música instrumental , acercándote al pueblo y al mismo tiempo este hay temas que son recomendados para bellydance y el saidi, la danza del bastón.

NATACHA ALTAS :LA GRAN DIVA,TALENTO Y BELLEZA

Natascha Atlas es la gran diva del asian underground y estrella de la música árabe. Reside en El Cairo, pero es medio inglesa y con pasaporte belga. Sus canciones en árabe, francés, ingles son una mezcla exótica de chanson y tecno con bases árabes. En 2001 fue nombrada Embajadora Honorífica de la ONU.
Natacha Atlas nació en 1963 en Bélgica. Es de madre inglesa de origen musulmán y padre egipcio de origen judío sefardí. Hasta el divorcio de sus padres sucedido cuando tenía ocho años de edad, vivió en el barrio marroquí de Bruselas. En 1972 su madre se traslada con Natascha, su hermano y su hermana a Northampton. Allí, sin el trajín de Bruselas, se sentían desplazados en un ambiente rural donde los extranjeros no eran bien vistos. Para Natacha fue como un exilio de sus orígenes.
Con dieciséis años empieza a trabajar como cantante y bailarina del vientre raq sharki recorriendo Inglaterra, Bélgica, Grecia, Turquía y Arabia. Consigue un contrato en Bélgica para cantar en una orquesta de salsa, Mandanga. La cantante habla español, ingles, francés y árabe. En 1991 graba ‘Timbal’, un tema propio en recopilatorio !Loca! de Balearic Beat producido por el dj Jah Wobble, que le propone entrar en su recién creado grupo de trance Invaders of the Heart. Para ellos compone cinco temas que aparecen en su primer disco, Rising above Bedlam. También es solicitada como cantante invitada en sus giras por el colectivo multi-culti londinense Transglobal Underground, para más tarde ser la cantante principal y ‘bailarina del vientre’. Un espectáculo apoteósico.
Diaspora (1995) es su primer disco como solista con la colaboración de Tim Whelan y su colectivo Temple Of Sound, el sonido del disco estaba influenciado por sus trabajo con los Transglobal con los que todavía salía de gira. Sus siguientes discos son Halim (1997), titulado así en memoria del cantante egipcio Abel Halim Afees, y Gedida (1998), que contiene la excelente versión del ‘Mon ami la rose’ de Françoise Hardy.
En 2000, se editó The Remix Collection. Temas de sus tres primeros discos fueron remezclados en clave dance por productores como Talvin Singh, Banco de Gaia, Youth, 16B, Klute, the Bullitnuts, TJ Rehmi, Spooky y los Transglobals.
Ayeshteni (2001) es el cuarto disco. En él encontramos otras dos versiones, ‘Ne me quittes pas’ del belga Jacques Brel y ‘I Put A Spell On You’, del aullador de Nueva Orleans Screamin’ Jay Hawkins.
Foretold In The Language Of Dreams (2002) es un proyecto a medias con Marc Eagleton y la colaboración de su marido, el músico sirio Abdullah Chhadeh. Un poema sin el latido de los ritmos árabes pero de elaboradas melodías vocales micro tonales extraídas de la música popular de la cordillera del Atlas y recitados sufíes.
En 2003 Mike Nielsen y Jah Woble producen su disco Something Dangerous, un totum revolutum de lenguas: hindi, francés, ingles y árabe, y de estilos. Es la primera vez que deja paso a otros cantantes en un disco suyo con invitados como Sinéad O’Connor, Kalia, Inder Goldfinger o David Arnold. Incluye una exótica versión del ‘Man’s World’ de James Brown.Su ultimo disco se llama «Ana Hina». FUENTE:last.fm

ECLIPSE UNO.CULPA

Todos los días Dan sentía que alguien lo observaba todo el tiempo. Los días se convirtieron en meses y luego en años.
- Me observan a donde quiera que voy me siguen-sollozo pidiendo que alguien lo escuchara.
En ese momento se parece ante el una joven de ropa oscura, cabellos largos y ojos casi rojos consumidos por el llanto.
-¿Quien eres tu?-pregunto asustado
-Eclipse-contesto
-¿Por qué estas aquí?
-Tu dolor me llamo-respondió con indiferencia
-¿Eres un demonio o un espíritu en pena?
Ella no contesto solo lo miro con la misma indiferencia.
-¡¡No, me importa lo que seas…libérame de este tormento…o acaso eres tu quien me estaba observando todo estos años?¡¡¡¡-Grito cayendo de rodillas-¡o es Dios quien me mira y me persigue…contéstame…….
-Solo una vez te observe y nadie te persigue...-dijo con tranquilidad
-Pero¿..quien me ha estado observando y me persiguiendo…, todos estos años?-se pregunto
-Que es lo que hiciste, por que tus manos están llenas de sangre-dijo con frialdad.
Miro sus manos, por un momento y estas se llenaron de sangre, mientras temblaba.
-Esta sangre no es mía…..-balbuceo -¡tienes que hacer que desaparezca¡-exigió a gritos.
- No había nadie-sonrió con amargura-Solo la culpa es la que te ve y te persigue hasta el fin de tus días, por el crimen que cometiste.
-Los humanos no pueden huir de si mismos, ya aun así siguen cometiendo errores que los llevan a la perdición-
Dan se internó en el lugar mas desconocido y aun seguía siendo perseguido.

BEATS ANTIQUE

Es un albun especial para el estilo tribal, con sonidos acusticos y musica de medio oriente.Muy recomendable para bailar este estilo.

BOLLYWOOD

Danza procedente de la industria cinematográfica de Bombay. Es un juego de palabras entre Bombay y Hollywood. Esta danza despliega una exótica mezcla de la Danza Clásica de la India, Danza Folklórica India, Danza del Vientre, Flamenco, Funky, Hip Hop, y otras.
Contiene los movimientos fundamentales de la antigua Danza Hindú: posturas, golpes de pie, movimientos de manos, cuello y ojos. Debido a su situación fronteriza con Pakistán, posee una marcada influencia árabe, otorgándole mayor movimiento y acentuación de la cadera, ampliando así, la gama de posibilidades y ritmos de esta danza.
Las mujeres indias, en su mayoría, suelen vestir una prenda llamada "Sari" o "Sarees", su tela es de la mejor calidad, fresca y ligera, adornada con pedrería y bordados más elaborados. En la danza, el vestuario y la indumentaria es de lo más llamativo: trajes, largos pañuelos muy coloridos con tonos dorados y plateados, babuchas, faldas largas y/o amplias, abundantes joyas, pendientes, kanganas o pulseras, el bindiya y tika(adornos de la frente), y también utilizan cristales y tintes para embellecer el cuerpo. Mistri coreógrafa, bailarina y cantante, es la primera de las artistas del mundo Bollywood que ha llegado a Madrid ,reconoció que para aprender este estilo "se necesita toda la vida".

LA ERA DE LAS MUJERES

“LA ERA QUE VIENE SERA DE LAS MUJERES.ES EL TIEMPO DE LIBERAR LAS ENERGIAS FEMENINAS Y PONERLAS EN FUNCIONAMIENTO.”
OSHO

OSHO, EL LIBRO DE LA NADA.

“TÚ ERES EL CAMINO Y LA META, Y NO HAY DISTANCIA ENTRE LA META Y TÚ. TÚ ERES EL BUSCADOR Y LO BUSCADO; NO HAY DISTANCIA ENTRE EL BUSCADOR Y LO BUSCADO. TÚ ERES EL DEVOTO Y LA DEVOCIÓN. TÚ ERES EL DISCÍPULO Y EL MAESTRO. TÚ ERES EL MEDIO Y EL FIN. ESTE ES EL GRAN CAMINO”

LORD BYRON, “DON JUAN”

PARA EL HOMBRE, EL AMOR ES SOLO UNA PARTE DE LA VIDA;PARA LA MUJER ES TODA LA EXISTENCIA”

ROBERT BROWNING, Fragmento de “CONFESSIONS”

“¿QUÉ ES EL TIEMPO?/DEJASELO A LOS MONOS Y LOS PERROS/LO QUE EL HOMBRE ANHELA POSSER ES EL SIEMPRE”

EL PARLAMENTO DE LAS AVES

EL ARTE ES TAN LARGO, LA VIDA TAN BREVE/ TAN ARDUA LA CONQUISTA, TAN FIRME EL ARDOR/LA TEMIDA ALEGRIA, SIEMPRE TAN HUIDIZA A TODO ESTO LO LLAMO YO AMOR.
GEOFFREY CHAUCER, Fragmento de “EL PARLAMENTO DE LAS AVES.

LA DANZA DEL VIENTRE ANTE LA MIRADA MASCULINA.

La danza del vientre puede significar muchas cosas para la mirada masculina ya que esta danza es nacida de mujeres, aunque hay varones que bailan con maestría esta danza.
Para algunos es una danza muy sensual y atrayente a la mirada, otros la consideran extravagante y provocativa, de allí que cuando se encuentran ante una bailarina de danzas orientales dicen o preguntan: ¿aprendes para bailarle a tu esposo o a tu novio”, “puedes bailar para mi un día”, “las bailarinas de danza del vientre son cabareteras”, etc. Hay muchos comentarios acerca de las bailarinas y eso se debe a la imagen que se a creado la sociedad gracias a las películas de antaño y una que otras producciones actuales donde se ven a las bailarinas o mujeres árabes con ropa transparente, bombachos de gaza, sujetadores o tops de colores brillantes, en algunos casos el vestuario deja poco a la imaginación, viven en un harén de fantasía con poca ropa, bailando para los hombres o para un sultán sentado en un trono, mientras ellas se desvisten. Esto es erróneo la danza del vientre no nació ni es para eso, antiguamente las bailarinas tradicionales bailaban con bombachos y muchas capas de genero, ya sea durante una fiesta o reuniones siendo esclavas, esposas o bailarinas profesionales respetadas, no lo hacían, ni lo hacen con el objetivo de provocar a los hombres.
Toda esta construcción de las bailarinas y las mujeres de harén se debe a la imaginación desbordante en Occidente, ya que antes no se podía viajar a Medio Oriente con facilidad, ellos creaban su propia su vestuario y como serian las mujeres árabes para ellos, como se puede observar hasta en los dibujos animados de Aladin de Disney, donde Jazmín usa una ropa que una árabe nunca hubiera usado y Mi Bella genio, donde se muestra a una mujer rubia con un choli (típico de la India), un bombacho transparente y un pequeño velo que solo cubre el cuello.
Esta burbuja fantasía ha sido y sigue siendo alimentada por que a la mayoría los hombres ya sea conscientemente o inconscientemente les gusta ver bailar y cantar a las mujeres, pero cuando saben la verdad, se quiebra la burbuja de ilusión, la mirada masculina cambia. Entonces la danza del vientre si la ve un artista la ve como un arte, la mirada depende de los ojos y estos de quien sean.

EL OMBLIGO: EL CENTRO DE LA SEDUCCION EN LA DANZA ARABE O DANZA DEL VIENTRE.

Cain fue el primer hombre en tener un ombligo según la tradición cristiana, por haber nacido se una mujer, en cambio en la leyenda musulmana después de que Ala diese vida al primer humano, el diablo se puso furioso y escupió sobre su abdomen. Para remediar esa agresión Ala corto la piel contaminada dejando un pequeño agujero.
Desde entonces, el ombligo es fuente de inspiración de mitos, fantasías, tabúes y veneraciones.
En las culturas precolombinas, el ombligo era símbolo de fertilidad y prosperidad.
Fue censurado por el cine en sus comienzos, se prohibía mostrarlo, incluso era borrado en las antiguas fotografías de desnudos femeninos.
Actualmente en occidente es aceptado mientras que en varias culturas orientales aun es prohibida su exhibición por ser considerado inmoral, las mujeres de estas culturas no pueden mostrarlo.
Para los antropólogos la forma del ombligo de la mujer alude de manera subliminal a la del órgano sexual , si embargo la mirada le a dado trascendencia simbólica.
En la danza del vientre, baile en el que el ombligo de la bailarina se mueve sensualmente al compas de la música, según la mirada masculina, ha estado perseguida por los fundamentalistas .En Egipto, las bailarinas que practicaban este arte- cuyos orígenes datan del siglo XV a. de C. –vivían protegidas por guardaespaldas y solo actuaban en los locales que garantizan su seguridad.
Las bailarinas egipcias fueron informadas oficialmente de la inmoralidad que suponía exponer el ombligo en sus bailes folclóricos y se las obligo a cubrirlo, hace doce años amenazaban de muerte alas bailarinas que desobedecían.
El ombligo es inútil a nivel fisiológico y sin embargo este orificio tiene categoría de eco genital, es decir su visión recuerda a nuestro subconsciente al órgano sexual femenino. Es por eso que es le centro de la seducción en las danzas orientales que suelen mostrarlo.
Y el pierceng en el Ombligo.
El anillo umbilical ha dejado de ser signo exclusivo de los faraones del viejo Egipto como Ramsés III, para ser ahora una expresión estética.
Que algunas bailarinas de danza del vientre lo usen para adornar su ombligo, o por moda no quiere decir que sea propio de la danzas árabes.
Este adorno cubre algo que no se quiere mostrar.

TRIBAL GOTICO

El Tribal Gótico, (Ariellah,Morgana) Se mezcla el tribal bellydance con la cultura y la música gótica. El maquillaje es muy dramático los ojos y los labios pueden ser pintados de colores oscuros desde un negro azabache hasta un azul oscuro. En el vestuario se usan:
Los colores que predominantes son el negro y el rojo.
Se utiliza poco o nada de lanas.
Cinturones de cuero y metales.
Como elementos dagas, espadas, alas de color negro o azul oscuro, a veces velos negros o plateados.
Mayormente las bailarinas tienen muchos tatuajes de estilo gótico.
Redes en los brazos con pulseras de metal y algunas usan guantes con adornos de metal.
Predominan los piercing en el rostro y en el ombligo.

La musica utilizada depende del estilo de la bailarina,desde la musica electronica con influencia oriental a musica arabe estilo tribal .

ESTILO URBAN TRIBAL

El tribal urbano (Frederique, Heather Stants). En este estilo, la ropa es más urbana, los pasos: más modernos y suaves. Es un estilo muy despojado en los vestuarios y muy urbano en los sonidos bailados. Los trajes son más ajustado al cuerpo, con poca o nada de lana, menos adornos en los tops y cinturones. El Urban Tribal trata de dar una imagen estilizada y despreocupada al mismo tiempo, por lo que es común que se usen:
-Pantalones de lycra muy largos,
-Tops de red o encaje o hasta trajes de cuero oscuro ,
-Pocos metales y colores plateados,
-Los colores suelen ser variados desde los mas oscuros a los llamativos desde un azul o rosa fuerte.
En este estilo, se usan pasos del Bellydance fusionados con pasos de danzas urbanas como el Break-Dance, la Danza Moderna, el Jazz, el Hip Hop, y en general no se hace improvisación. La música es experimental ó electrónica con algo de influencia oriental y algunas veces es completamente experimental.

ORIGEN DEL ESTILO TRIBAL FUSIÓN Ó TRIBAL FUSION BELLYDANCE(TFB)

A finales de la década de los 90´s, Jill Parker, integrante original de las Fat Chance Belly Dance, fundó su propia compañía de danza Ultra Gypsy enfocada hacia un estilo de danza tribal más complejo y expresivo que el ATS. Después de ocho años de ser miembro de las FCBD, ella decide desarrollar su propia versión de la danza tribal dando inicio al estilo "Tribal Fusion".
Jill, amplió el vocabulario de movimientos del ATS, extendió el formato de las FCBD tomando elementos de otras danzas. Modificó el vestuario, eliminando el turbante y el choli, haciéndolo menos recargado. La música empezó a tener un rango más amplio: Desde tradicional hasta música más moderna. El nuevo estilo propuesto por Jill Parker, produjo un gran impacto en los bailarines de este estilo y abrió las puertas a una nueva forma de tribal, mucho más creativa, expresiva y teatral.
A principios del 2000 en San Diego, California, surgió la compañía "Urban Tribal Dance", dirigida por Heather Stants, cuyo estilo estaba inspirado en el hip hop y la danza moderna. Como "Urban Tribal" enfatizaba la flexibilidad y la frescura, el vestuario para Tribal Fusión tuvo que ser modificado nuevamente. Las responsables de estos cambios, fueron: Mardi Love y Melodía, miembros de esta compañía. Ambas, contribuyeron enormemente en el vestuario que se utiliza en Tribal Fusión actualmente. Mardi creó una nueva tendencia más suave y delicada en los adornos para la cabeza y los cinturones de caracoles. Melodía, diseño una línea de pantalones de danza. A partir de estas dos artistas, el vestuario en la comunidad de Tribal Fusión empezó a estandarizarse.
Otra artista que ha contribuido en este estilo es Rachel Brice. Rachel, fue la primera solista de [[Tribal Fusion], además, popularizó este estilo alrededor del mundo, por su técnica, sus aislamientos, control muscular y complejidad en los movimientos.
Rachel Brice empezó a tomar clases de Bellydance (en la Compañía Hahbi´Ru) a finales de los 80´s. Durante un tiempo deja el Belly Dance para dedicarse a sus estudios de yoga, y posteriormente, lo retoma. (Rachel, inicialmente, era bailarina de bellydance estilo "Cabaret"). Se muda a San Francisco para estudiar bellydance tiempo completo. En 2001, toma clases con Carolena Nericcio y Jill Parker. Durante un periodo muy corto, Rachel fue miembro de las Ultra Gypsy (2001).
En 2003, Rachel ya tenía algunos años de estar enseñando yoga y bellydance, cuando Janice Solimedo interesada en pertenecer a una compañía de danza, le sugiere crear una. Rachel, crea con las dos estudiantes que tenía entonces (Michelle Campbell y Ariellah Aflafo) y Janice Solimeno “The Indigo Belly Dance Company”. Es importante mencionar que, Ariellah, antes de tomar clases con Rachel, había sido alumna de Jill Parker y Janice, co-fundadora de “The Indigo”, había sido miembro de Ultra Gypsy.
Ariellah y Janice, se retiraron de la compañía para seguir sus carreras como solistas. Sharon Kihara (de la escuela de Suhaila Salimpour y ex alumna de Jill Parker) y Mardi Love (ex-miembro de Urban Tribal, compañía de Heather Stants) se unieron a "The Indigo". Michelle Campbell, se retira, para dedicarse a la maternidad, en el año 2005. Ese mismo año, a través de una audición, Zoe Jakes (ex-miembro de la compañía de Suhaila Salimpour y miembro de YardDog Road Show) se une a "The Indigo Dance Company".
Las mencionadas aquí, son las artistas que iniciaron este estilo, muchas más han contribuido al desarrollo del Tribal Fusión. Este estilo es demasiado nuevo, sigue en evolución, de manera que aún faltan contribuciones por hacer y cosas por crear.

ORIGEN DEL ESTILO TRIBAL AMERICANO Ó AMERICAN TRIBAL STYLE (ATS)

La Danza del Vientre Estilo Tribal abarca varios estilos, entre los que destaca el American Tribal Style (ATS). Se creó en San Francisco, California, desarrollada por Jamila Salimpour, Masha Archer y Carolena Nericcio. A Jamila se le acredita la categoría general de "Tribal Style". En los años 60´s, Jamila, directora de la compañía de danza Bal-Anat, se inspiró en las danzas e indumentaria étnica de comunidades del Medio Oriente, Norte de África y el Mediterráneo y creo su propia versión de la danza del vientre. Tomando lo que observaba de los bailarines de Marruecos, Argelia, Turquía, Egipto, Siria y Líbano que bailaban en Estados Unidos, comenzó a catalogar los movimientos de la danza oriental. Jamila creó un vocabulario básico que todavía sigue siendo la base del repertorio del estilo tribal. También es responsable de la fusión de estos bailes tradicionales con el estilo cabaret.
Masha Archer, alumna de Jamila, también hizo aportes importantes en este estilo. Su idea de unidad entre las bailarinas convirtió al grupo en protagonista. Otro aporte fue la inclusión en el vestuario de los turbantes, tatuajes, y el estilo de joyería y complementos que son desde entonces característicos del estilo. Masha creó su propia compañía de danza "San Francisco Dance Troupe", de la cual se retiró años más tarde para dedicarse al diseño de ropa y joyas en San Francisco y Nueva York.
Masha rehuso actuar en bares y restaurantes, prefiriendo hacerlo en eventos culturales.
Masha Archer fue profesora de Carolena Nericcio, a quien se suele atribuir la creación definitiva de la danza tribal. En los años ochenta, tomó las ideas de Jamila y Masha, las unió a su idea de un baile grupal y termina dando estructura al estilo tribal. En 1987, antes que desapareciera SF Dance Troupe, empieza a dar clases en un pequeño estudio en el Noe Valley Ministry. Ese mismo año, crea la compañía “FatChance BellyDance”, donde recoge las influencias de Jamila y Masha,las adapta a su idea de danza grupal e introduce el formato de la improvisación a través de códigos y llamadas entre las bailarina. En este momento es cuando comienza a llamarse American Tribal Style o Danza del vientre “Estilo Tribal Americano”.
El por que del nombre
Cuando nació la necesidad de un nombre para la compañía de baile un amigo sugirió la jugetona rima: FatChanceBellyDance, basada en la tonta respuesta que a menudo las bailarinas obtenían de los espectadores quienes pensaban que la bonita y femenina danza del vientre es simplemente un exótico entretenimiento para su placer personal. En otras palabras "Fat chance you can have a private show." (traducción . "No hay ninguna posibilidad de que te haga un pase privado")

MIRADA

Atravez de la mirada podemos saber quienes somos...
son los ojos del otro ..
quienes te dicen quien eres.....

LA LEYENDA DE LA ESFINGE ENTERRADA.

Cuentan los antiguos egipcios, que hace siglos cuando la esfinge egipcia se hallaba cubierta por la arena del desierto y solo se podía ver la cabeza. Un hombre que caminaba por el desierto, escucho una voz que provenía de la estatua, apoyo su oído y la esfinge le dijo varias profecías, que ya ocurrieron en ese tiempo.

2.Teorias sobre el origen de la danza árabe en los países de oriente.

2.Teorias sobre el origen de la danza árabe en los países de oriente.
Estas son algunas de las teorías existentes:
• Desciende de las danzas del antiguo Egipto
• Procede de un baile de tipo religioso que practicaban antiguamente las sacerdotisas de los templos
• Formaba parte de las prácticas tradicionales de alumbramiento en la/s region/es de origen. • Se había extendido gracias a las migraciones de los pueblos gitanos y de grupos similares, de origen hindú.
De todas ellas, rara vez se hace alusión a la primera, a pesar de que cuenta con el apoyo de personalidades como el bailarín egipcio Doctor Mo Geddawi promocionándola. El principal apoyo de esta teoría tiene su explicación en las semejanzas entre las poses del arte egipcio y los movimientos del baile en su vertiente moderna.La teoría más conocida es la que la asocia con un baile religioso, a la que se suele hacer referencia en los principales artículos sobre el tema y que goza de mayor publicidad.La teoría que la asocia a las "prácticas de alumbramiento" en virtud de una serie de movimientos de la danza árabe moderna. Es refrendada y extendida por el bailarín marroquí y aficionado a la antropología conocido también como Carolina Varga Dinicu y tiene que ver con la revisión de los movimientos que se han venido utilizando para ilustrar o facilitar el alumbramiento. A pesar de que dicha teoría carece de un "punto de origen", sí que cuenta con numerosas referencias históricas de tipo oral, además de que aparece citada en un comentario de la obra The Dancer of Shamahka.Dos cuestiones sugieren la danza gitana como su origen. Se cree que los pueblos gitanos y otros grupos humanos similares, pudieron importar esta forma de baile en sus desplazamientos o adoptarlo sobre la marcha y difundirlo. Gracias a la fusión de las formas gitanas de baile con la danza árabe estas teorías disfrutan de mayor popularidad en Occidente de la que tendrían necesariamente en sus países de origen - si bien esto puede deberse en parte a los prejuicios existentes sobre estos pueblos.

1. Historia de la danza en el viejo continente.

En algunos pueblos de la antigüedad se pensaba que la fertilidad humana estaba directamente relacionada con la tierra. A las mujeres, que eran las que creaban nuevas vidas, se les atribuían poderes mágicos. Por ejemplo:
En la Anatolya Central y mediterránea (Turquía), hace miles de años, las mujeres tenían danzas rituales en honor a estos poderes mágicos (ceremonias relacionadas con la fertilidad). Los hombre estaban excluidos de estos ritos.
En la antigua Grecia y Roma se realizaban diferentes danzas de la fertilidad basadas en la rotación de las caderas y vientre. Algunas de ellas se realizaban en honor a las diosas. Muchas de estas divinidades provenían del este, en particular de Siria y Turquía. En Chipre, lugar de nacimiento de Afrodita, la diosa Griega del amor y la fertilidad, las mujeres realizaban danzas rituales eróticas acompañadas de cantos y percusión mediante las cuales se ponían en trance. Esto les permitía entrar en contacto con la diosa y que ésta les pasase su poder.
Asimismo, estos ritos o similares tuvieron lugar en Mesopotamia, Fenicia, Egipto, Arabia y la India. En estas ceremonias participaban gran número de mujeres. En ellas se bailaba, se cantaba e incluso en algunas las mujeres se ofrecían a los hombres en honor a la diosa. El propósito de estas ceremonias era traer el poder de la diosa a la tierra y favorecer la fertilidad.
1.1.La danza en Medio Oriente.
Durante el S. IV D. C. el Cristianismo y el Islam pasaron a dominar el Medio Oriente. Aunque tomaron ciertas fiestas y ritos paganos y se los apropiaron adaptándolos a su nueva religión, también destruyeron los rituales con culto a las diosas y trataron de eliminar las danzas femeninas relacionadas con la sexualidad y fertilidad. Hace siglos, los bailarines, músicos y cantantes eran esclavos. Aunque este estatus luego cambió los intérpretes nunca escaparon totalmente del estigma atribuido a su profesión dentro de los países árabes.
Durante el S. XIX, en Egipto existían dos tipos de bailarinas:
1.1.1.Las ghawazee (gitanas) , que bailaban al aire libre o en el campo, normalmente para audiencias de clase social baja. Actuaban con un pequeño grupo de músicos que solían incluir mizmar, nay y tabla. Aunque eran musulmanes y hablaban árabe, ellos no son realmente egipcios, ya que pertenecen a una tribu distinta. Las ghawazee bailaban en las calles y eran aceptadas por la sociedad hasta que sus prácticas fueron prohibidas por el Islam, especialmente por que no ocupaban velo en sus rostros y bailaban “desvergonzadamente” en público. Además, las ghawazees eran criadas para ser bailarinas y prostitutas. Es por esto que salieron de El Cairo y se instalaron en el sur de Egipto.
1.1.2.Las awalim, eran mas respetadas y además de bailar, cantaban y recitaban poesía. Normalmente actuaban en casas de ricos. Los músicos eran: nay, oud, kanoon y tabla.
En ambos casos la danza era improvisada.

Ella es NAIMA FARAH

Ella es Naima Farah una bailarina de Danza árabe y licenciada en Psicología de la U.M.S.S. en   Cochabamba-Bolivia.

Es una bailarina talentosa de bellydance y danzas árabes folkloricas, que actualmente vive en Buenos Aires (Argentina), donde esta cursando clases de danzas árabes con reconocidos maestros.

Galería de Naima Farah

Estilo tribal americano

Ella es Carolena Nericcio ...bailarina del Estilo tribal americano.Que hace alusion en su vestimenta a las tribus de medio oriente y las mujeres bereberes del desierto.
mas adelante se expondra mas de ella y de este estilo

NARCISISMO EN LA DANZA ARABE o BELLYDANCE.

Narciso es el personaje de gran belleza en la mitología griega que se enamoro de si mismo al contemplarse en un estanque de agua, es tomado en el psicoanálisis y en la psicología, bajo el significado de Amor que dirige el sujeto a sí mismo tomado como objeto. Al mismo tiempo se utiliza el término egolatría: El culto, adoración y amor excesivo de sí mismo.
La egolatría siempre ha existido, en el pasado se a tenido a Hitler, Stalin, Calígula y un mejor ejemplo de una profesional de la danza es Isadora Duncan, su profesión y su necesidad de ser reconocida la convirtieron en una mujer que solo sabia mirarse a si misma, solo ella era la mejor, no había otra bailarina que la superara y no aceptaba criticas.
Actualmente en el ambiente de la danza árabe también existen bailarinas ególatras, en un mundo competitivo, donde prima el éxito a costa de todo y todos, dejándose de lado la ética, para ser el centro de todo y de todos.
Las narcisistas aspiran además, a compensar con el éxito profesional una baja autoestima de la que se protegen exagerando los éxitos y callando los fracasos. Además son incapaces de compartir algo. Están tan pendientes de si mismas que apenas pueden comprender los intereses o las necesidades de los demás, teniéndose en alto valor, su imagen y su inteligencia, tienen la creencia de que pueden ser amadas y admiradas por todos. A esto los psicoanalistas creen que es la admiración de los demás lo que impulsa a las narcisistas al éxito en su trabajo o en sus relaciones sociales. De hecho, dada su necesidad de aplauso, muchas de ellas subliman su exhibicionismo a través de determinadas actividades laborales.
Sin embargo muchas bailarinas profesionales han logrado superar esta epidemia de narcisismo que aqueja a la sociedad, siendo sencillas, sinceras y profesionales con ética.
Asi que no sean narcisistas